Sarah Lecompte-Bergeron
Université de Montréal
OICRM

The work focuses on sound creation in computer music inspired by Balinese gamelan "gambang". "Gamang" is an interactive installation resulting from this research-creation work.
The research aims to develop computer tools relevant to the creative process of artists involved in the practice of gamelan music and to make creations using them.
The methodology consists in :

1. prototyping tools and sketching musical ideas making use of them,
2. collecting data for pattern generation,
3. developing these tools in groups,
4. creating an installation making use of these tools.

The work contributes to the experimental music community involved in Balinese gamelan practices through immersion and participation in a musical culture as a musician and programmer (Bown, Eldridge, McCormack, "Understanding Interaction in Contemporary Digital Music: from instruments to behavioral objects", 2009).
The research-creation process leading to the creation of the interactive installation "Gamang" also allowed the development of synthesis, composition, and automatic transcription tools as well as associated tutorials. Le travail porte sur la création sonore en informatique musicale inspirée de gamelan balinais « gambang ». « Gamang » est une installation interactive résultante de ce travail de recherche-création.
La recherche vise à développer des outils informatiques pertinents au processus créatif d’artistes impliqués dans la pratique musicale de gamelan et à réaliser des créations en faisant usage.
La méthodologie consiste à :

1. prototyper des outils et esquisser des idées musicales en faisant usage,
2. recueillir des données pour la génération de motifs,
3. développer ces outils en groupe,
4. créer une installation faisant usage de ces outils.

Le travail contribue à la communauté musicale de musiques expérimentales impliquée dans les pratiques de gamelan balinais par l’immersion et la participation dans une culture musicale comme musicien et programmeur (Bown, Eldridge, McCormack, « Understanding Interaction in Contemporary Digital Music: from instruments to behavioural objects », 2009).
Le processus de recherche-création menant à la création de l’installation interactive « Gamang » a également permis de développer des outils de synthèse, de composition, et de transcription automatique ainsi que des tutoriels associés.

Tomás Díaz Villegas
Université de Montréal
OICRM, ACTOR

In this presentation, I introduce my vision of thematicism in relation to the traditional conception. The latter is concerned with the composition and transformation of the characteristic entities of a piece (themes and motifs). In so doing, traditional thematicism privileges certain parameters (pitch and rhythm), considers the temporal aspects of the entities in question only and distinguishes between thematic and non-thematic. My doctoral research focuses on how to expand and redefine these boundaries in my practice as a composer, and this, through the composition of 17 acoustic pieces (written over the last 4 years) for different instrumentations as well as the reading of various works dealing with form, composition, and temporality. This led me to consider thematicism as the description of periods of time, a definition that has four practical consequences:

1. parameters considered secondary in the traditional approach are integrated into the writing process
2. the temporality (duration, succession, progression, stasis, segmentation) of individual or associated parameters is taken into account
3. the entire texture is considered as thematic (i.e., musical elements are describable in parametric terms)
4. the periods of time described can be of variable length.

Dans cette présentation, j'introduis ma vision du thématisme par rapport à la conception traditionnelle. Cette dernière s’intéresse à la composition et la transformation des entités caractéristiques d’une pièce (thèmes et motifs). Ce faisant, le thématisme traditionnel privilégie certains paramètres (hauteur et rythme), ne considère que les aspects temporels des entités en question et fait la distinction entre thématique et non thématique. Ma recherche doctorale porte sur la manière d’élargir et redéfinir ces limites dans ma pratique de compositeur, et ce, à travers la composition de 17 pièces acoustiques (écrites au cours des 4 dernières années) pour différentes instrumentations ainsi que la lecture de divers ouvrages traitant de la forme, la composition et la temporalité. Cela m'a amené à considérer le thématisme comme la description de périodes de temps, une définition qui a quatre conséquences pratiques :

1. des paramètres jugés secondaires dans l'approche traditionnelle sont intégrés au processus d’écriture
2. la temporalité (durée, succession, progression, stase, segmentation) des paramètres individuels ou associés est prise en compte
3. la texture entière est considérée comme thématique (i.e., les éléments musicaux sont descriptibles en termes paramétriques)
4. les périodes de temps décrites peuvent être de longueur variable.

Marie-Annick Béliveau
UQAM

Lyrical art finds its drive of development and renewal in multidisciplinarity. The concept of total art - Wagner's Gesamtkunstwerk - still inspires composers, and the possibility of combining music, literature, scenography and dance on stage appeals to many creative minds. However, the world of the living arts is in full effervescence, the protean creations and the interartistic theater question the traditional disciplinary paradigms, witness the emergence of works which are in-between theater, dance, music and performance, in which performer and creator become porous roles. How can the new opera follow this new avenue, yet still be true to itself? Could the singer be the vector for the development of an interartistic opera?

The lyrical performer exercises his art in liminality, simultaneously voice, body, music, action, performance, technique and drama. The characteristics of interartisticity - collective creation, decompartmentalization, interactionism, autofiction, de-hierarchization - would be for the singer natural levers in his relationship with an undisciplined spectator. The creation of the documentary lyrical theater Aujourd’hui Calling You is a research-creation project that allows me to explore how, I, mezzosoprano interpreter-creator-mediator, can make myself the vector of the inter-artistic lyrical show. L’art lyrique trouve ses moteurs de développement et de renouvellement dans la pluridisciplinarité. Le concept d’art total - le Gesamtkunstwerk de Wagner - inspire encore les compositeurs, et la possibilité de marier sur scène musique, littérature, scénographie, danse séduit plusieurs esprits créatifs. Or le milieu des arts vivants est en pleine effervescence, les créations protéiformes et le théâtre interartistique questionnent les paradigmes disciplinaires traditionnels, voient émerger des œuvres qui sont à la fois théâtre, danse, musique, performance, où les rôles d’interprète et concepteur deviennent poreux. Comment l’opéra nouveau peut-il suivre cette nouvelle avenue sans se dénaturer? Le chanteur pourrait-il être le vecteur du développement d’un opéra interartistique?

L’interprète lyrique exerce son art dans la liminarité, à la fois voix, corps, musique, action, performance, technique et drame. Les caractéristiques de l’interartisticité - création collective, décloisonnement, interactionnisme, autofiction, déhiérarchisation – seraient pour le chanteur des leviers naturels de sa rencontre avec un spectateur in-discipliné. La création du théâtre lyrique documentaire Aujourd’hui Calling You est un projet de recherche-création qui me permet d’explorer comment, moi, mezzosoprano interprète-créateur-médiateur je me fais le vecteur du spectacle lyrique interartistique.

Yu Fang
McGill University

mahw was an augmented instrument controller for electric guitars, designed as a digital substitute for the whammy bar (used for pitch-shifting notes or chords) for left-handed guitars. The original design had many quirks: echoey pitch-shifting artifacts, insufficient force feedback mechanisms, and you can't use it away from a computer. A redesign was put forth to address these annoyances.

This presentation will overview how the redesign transforms the controller into a portable, easy-to-manufacture, robust device with built-in audio input/output, completely-3D-printable force feedback mechanisms, and improved pitch-shifting algorithms that can optionally simulate the unique non-linear dissonant behavior of mechanical whammy bar.

Every micro design decision we make in the creation of a digital musical instrument branches off a replica of the very same instrument but with unique sonic possibilities, gestural controls, and quirks. We navigate our path to "the chosen one", but buries many combinations unexplored in parallel universes.

mahw, unlike many open-source digital musical instruments, will be released as "open-design" hardware, where a step-by-step build instruction is replaced with a step-by-step "design" instruction. We will discuss its implication for the longevity and reproducibility of the controller. mahw est un contrôleur pour instruments augmentés, spécifiquement pour les guitares électriques. Il a été conçu comme un substitut numérique de la barre whammy (utilisé pour le changement de la hauteur de la note) pour les guitares pour gauchers. La conception originale comportait de nombreuses limitations : des échos quand du changement de la hauteur, du retour de force insuffisant et de la dépendance d'un ordinateur extérieur pour son utilisation. Une refonte a été entreprise pour remédier à ces désagréments.

Cette présentation donnera un aperçu de la façon dont la refonte transforme le contrôleur en un appareil portable, facile à fabriquer et robuste avec une entrée/sortie audio intégrée, des mécanismes de retour de force entièrement imprimable en 3D et des algorithmes de changement de hauteur améliorés qui peuvent éventuellement simuler le comportement dissonant non linéaire unique de la barre mécanique whammy.

Chaque décision de conception que nous prenons dans la création d'un instrument de musique numérique arrive à une réplique du même instrument, mais avec des possibilités sonores, des commandes gestuelles et des limitations uniques. Nous naviguons sur notre chemin vers un design idéal en abandonnant de nombreuses combinaisons inexplorées dans des univers parallèles.

mahw, contrairement à de nombreux instruments de musique numériques en source libre, sera publié en tant que matériel "open-design", où la notice technique de construction étape par étape est remplacée par une notice de "conception" étape par étape. Nous discuterons des implications de ce choix pour la longévité et la reproductibilité du contrôleur.

David Piazza
Université de Montréal
Laboratoire Formes·Ondes

Our research focuses on the development of a tool for mapping and navigating timbre spaces for concatenative synthesis software. This sound generation technique – based on the segmentation and classification of sounds according to their perceptual characteristics – most often produces representations in the form of point clouds whose reading is based on the position of the mouse.

My work explores the possibility of representing these spaces as fluids, so that the user can move between sounds continuously, revealing a plurality of intermediate states. In this presentation, we expose our two working hypotheses for the implementation of a "continuous reader" in the Mosaïque software, developed by the Laboratoire Formes·Ondes: granular synthesis as well as spectral resynthesis by means of the fast Fourier transform. Notre recherche porte sur le développement d’un outil de cartographie et de navigation d’espaces de timbres pour les logiciels de synthèse concaténative. Cette technique de génération sonore – fondée sur la segmentation et la classification des sons en fonction de leurs caractéristiques perceptives – produit le plus souvent des représentations sous la forme de nuages de points dont la lecture est basée sur la position de la souris.

Mes travaux se penchent sur la possibilité de représenter ces espaces sous la forme de fluides, de sorte que l’utilisateur.trice puisse se déplacer entre les sons de manière continue, révélant une pluralité d'états intermédiaires. Dans cette présentation, nous exposons nos deux hypothèses de travail pour l'implémentation d'un « lecteur continu » au logiciel Mosaïque, développé par le Laboratoire Formes·Ondes : la synthèse granulaire ainsi que la resynthèse spectrale au moyen de la transformée de Fourier rapide.

Kasey Pocius, Tommy Davis
McGill
CIRMMT, IDMIL

eTu{d,b}e is a research-creation project utilising an augmented instrument called the eTube to research how a human performer shares in creative performance with improvising computer agents. The eTube is a newly invented instrument fusing a plastic tube, baritone saxophone mouthpiece, and a custom controller interface designed to facilitate interaction and communication between a performer and computer agent. The instrument’s acoustic sound is purposefully limited in terms of traditional pitch and virtuosity, which in turn invites more possibilities for electronic augmentation. The eTu{d,b}e improvisation framework adapts various pre-existing improvising agents which impart agency to human and non-human actors through interactive improvisation employing machine listening, audio descriptors, and sonic corpora.

Recent developments include spatialisation software which place the agents discreetly in space through an immersive speaker array. The agent’s placements are defined by multiple presets which are then interpolated between by the computer performer via a MIDI controller and by the improviser through audio descriptors which analyse the performer’s sound. We will present the eTu{d,b}e framework, the eTube, and our spatialisation models for performance. eTu{d,b}e est un projet de recherche-création faisant usage d'un instrument instrument augmenté appelé eTube afin d'étudier comment un·e interprète humain·e peut collaborer avec des agents informatiques improvisateurs lors d'une performance créative. L'eTube est un instrument nouvellement inventé qui combine un tube en plastique, une embouchure de saxophone baryton et une interface de contrôle personnalisée conçue pour faciliter l'interaction et la communication entre l’interprète et l’agent informatique. Le son acoustique de l'instrument est volontairement limité quant à sa hauteur traditionnelle et sa virtuosité, permettant de multiplier les possibilités d'augmentation électronique. Le cadre d'improvisation eTu{d,b}e adapte divers agents d'improvisation préexistants qui confèrent un pouvoir aux acteurs humains et non humains par le biais d'une improvisation interactive utilisant l'écoute automatique, les descripteurs audio et les corpus sonores.

Les récents développements introduisent des logiciels de spatialisation, plaçant les agents discrètement dans l'espace par le biais d'un réseau de haut-parleurs immersifs. Le placement des agents est défini par de multiples préréglages qui sont ensuite ensuite interpolés par l'interprète informatique via un contrôleur MIDI et par l'improvisateur grâce à des descripteurs audio provenant de l’ analyse du son de l'interprète. Nous présenterons le contexte de l’eTu{d,b}e, l'eTube et nos modèles de spatialisation lors de la performance la performance.